融匯不貫 - 金澤21世紀美術館十五周年展

金澤21世紀美術館鳥瞰圖。圖片由金澤21世紀美術館提供。
Moon Kyungwon & Jeon Joonho, El Fin del Mundo, 2012. Collection of 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa © MOON Kyungwon and JEON Joonho.
Gimhongsok, This is Rabbit, 2005. Collection of 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa © Gimhongsok. Photo: KIOKU Keizo.
Ernesto Neto, BODY SPACE NAVE MIND, 2004. Collection of 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa © Ernesto Neto. Photo: FUKUNAGA Kazuo.
Joseph DeLappe, Elegy: GTA USA Gun Homicides, 2018-19. Collection of 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa. © Joseph DeLappe.
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金澤21世紀美術館舉辦了十五周年的旗艦展 Where We Now Stand—In Order to Map the Future 1。作為日本其中一個最重要的當代藝術館,其十五周年展展示的館藏、關注的議題,自是焦點。

TEXT:Fizen Yuen
IMAGES:金澤21世紀美術館提供

 

追溯美術館的歷史,不難發現,美術館當初對於這個藝術館的藍圖相當宏大。根據歷史資料,金澤美術館建築之前,政府曾經公開徵募不同建築師的計劃書,而在其要求中,沒有採用「美術館」(museum)這字眼,而是希望設計是一個公共開放設施,讓公眾可以將藝術體驗融入到生活的一部分。結果,美術館的建築亦貫徹了這個理念:兩名日本知名的建築師妹島和世、西沢立衛將美術館設計成一個大圓形,360度弧形的玻璃,令整個美術館都大量透入自然光,裏面有一系列展覽室,有大有小,可以適應各種尺寸的藝術品展出。這些展覽室的高度和闊度也各不相同,令展示各種各樣的作品得以可能。

 

金澤21世紀美術館鳥瞰圖。圖片由金澤21世紀美術館提供。

 

回到今次的展覽,「Where We Now Stand — In Order to Map the Future 1」由大約50位藝術家和70幅作品組成,作品從美術館的4000件館藏中挑選,是15年來首次展出的作品。展覽有12個關鍵字,分別為Virtual Space, Biotechnology, Gamescape, Relationship, Body & Space等,將整個展覽劃分,同時點出藝術家對於未來世界不同方向的想像。在展覽入口,展出的是韓國藝術家Moon Kyungwon&Jeon Joonho的作品 El Fin del Mundo (The End of the World) (2012)。這個長達13分鐘的雙頻道影像裝置,具有世界末日和反烏托邦科幻電影的影子。作品透過描繪男人象徵過去,而其製造的藝術殘跡,令象徵未來的女性與過去有了聯繫,暗示未來仍未成形,並可以透過當下的藝術文化活動,將其改變,作為展覽的開卷之作。

 

Moon Kyungwon & Jeon Joonho, El Fin del Mundo, 2012. Collection of 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa © MOON Kyungwon and JEON Joonho.

 

In a Gamescape: REPLAY的展廳亦見有趣。一方面,展覽明確地表示,未來(當代)藝術的吸納能力如此強大,令這些電子遊戲都寫入藝術史的一部分。當然,在此以上,觀眾會發現這些遊戲只是媒介,終歸仍然脫離不了藝術的核心:藝術家透過遊戲有什麼表達和提出什麼想像。例如藝術家Miltos Manetas在作品SuperMario Sleeping (1997),就用全球大熱的瑪利奧兄弟的闖關遊戲中,偏偏選擇控制人物放棄闖關,一直休息,幽默地點出遊戲世界和現實世界如何令人的意識無法休息的現象。Joseph DeLappe的作品Elergy: GTA USA Gun Homicides (2018-2019)則根據美國槍支暴力檔案網(Gun Violence Archive)上的數據每晚進行更新,並以遊戲內的屍體顯示從2018年1月1日開始有多少美國人已經死於槍支暴力。

獨立來看,展覽中亦包括了不少令人印象深刻的作品。例如在「Discussing Relationship」的展廳中,Gimhongsok的作品This is Rabbit (2005),訛稱自己僱用了一個非法勞工作為表演者,探討了藝術作為一種包裝手段的力量、欺騙性和正當性。在「Body & Space」的展廳中,Ernesto Neto的作品亦是如夢一樣的沉浸式藝術體驗:觀眾需要脫鞋進入藝術家製作的大型裝置,裝用彈性尼龍和棉組成,構成一個迷宮般的空間,讓參觀者與其產生互動,而這個迷宮的佈局又恰恰令人聯想到身體器官,走在其中,不明所以地就感受到一種慾望和性感。

 

Gimhongsok, This is Rabbit, 2005. Collection of 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa © Gimhongsok. Photo: KIOKU Keizo.
Ernesto Neto, BODY SPACE NAVE MIND, 2004. Collection of 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa © Ernesto Neto. Photo: FUKUNAGA Kazuo.

 

展覽以關鍵字形式將作品的核心精神抽取,令美術館的大眾可以更容易吸收,是可以理解的處理手法。不過,我認為金澤21世紀美術館的建築結構,配合今次展覽梳理世界方法,和美術館當初的藍圖、我們可見的跨界的未來,出現了矛盾。藝術素來是曖昧的語言,用一種搜尋器的方法分類,是否「準確」?舉例說,剛剛提及在遊戲展廳(Gamescape)中出現的Elegy: GTA USA Gun Homicides,是否也是一種虛擬空間(Virtual Space)的體驗?所以,當展覽的實體空間如此割裂時,再以這種工整的系統來梳理藝術家對將來世界的想像,就會令觀眾對未來世界的想像碎片化。

 

Joseph DeLappe, Elegy: GTA USA Gun Homicides, 2018-19. Collection of 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa. © Joseph DeLappe.

 

雖然如此,我認為,展覽中某些作品,依然是前瞻性的。例如法國藝術家Philippe Parreno的作品 No Ghost Just a Shell (1999-2002)就展示自己當年購買了動漫人物的使用權,隨後邀請不同藝術家利用這個動漫人物的形象分別創作各類作品,並將這些作品構成了巡迴展覽「No Ghost Just A Shell」,作品帶出了一種主張,令人想像一個共享資源的烏托邦;又或是Akira Takayama的作品McDonald’s Radio University (2017),就將麥當勞餐廳的分店轉變成一個演講空間的場所,創建了一座人人大學堂,該大學於2017年在法蘭克福首次亮相。教授是異鄉難民,而每一名麥當勞的顧客都是其學生。將兩個作品放在一起看,我們可以看見,藝術始終應該鮮活地立足人和人之間,而不是固體地變成一種狹窄的分類,而John Lennon在Imagine一曲中想像的烏托邦未來,終究還是未有來。

 

 

Where We Now Stand—In Order to Map the Future 1
14/09/2019 – 19/12/2019
金澤21世紀美術館,日本

 

 


 

Fizen Yuen is the staff writer of CoBo Social.

Fizen has been actively participating at the local scene in the last few years, and has a particular interest for the up and coming generation of artists. His writings can also be found on Photography is Art, International Association of Art Critics Hong Kong and Cultural Journalism Campus.

 

 

 
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